José Cabañas

 

Apreciemos hoy la obra del artista turolense José Cabañas, excelente pintor de la difícil técnica de la acuarela.

 

José Cabañas. «Primavera Casas Bajas II»

 

Sus cuadros, unas veces, nos ofrecen una temática y una composición llena de imaginación , en otras ocasiones, son simples escenas cotidianas y hermosos paisajes. Sin embargo, en todos ellos hay algo en común que lo inunda todo: una luz penetrante y un color intenso.

Composición, luz y color, van a ser las herramientas mediante las cuales expresa sus sentimientos y sus emociones.

 

José Cabañas. «Caos gatuno»

 

Al detenernos más despacio en la obra de este artista, se aprecia la admiración que siente por los pintores del Romanticismo y la exaltación que éstos hacían de los sentimientos, las pasiones y en especial de la naturaleza, que se manifiesta en preciosos paisajes.

Lo importante va a ser el mundo interior del artista, que se verá reflejado en sus cuadros. Hay un interés por todo lo misterioso, y una melancolía que hace que se sienta atraído por las ruinas nostálgicas y los paisajes brumosos.

 

José Cabañas. «Concud Nevado IX»

 

Viendo la obra de José Cabañas, y las características que la definen, perfectamente nos podemos imaginar a este artista viajando por la Europa del siglo XIX, pintando al lado de los grandes pintores románticos, asimilando y reflejando en sus propios cuadros lo que admira de estos grandes maestros:

En las montañas de Silesia junto a Friedrich, pintando paisajes melancólicos y cotidianos, llenos de fuerza y expresividad, con contrastes de luces y sombras y unos colores intensos.

 

José Cabañas. «Camino de Albarracín»

 

En Inglaterra con Constable, recreando la tranquilidad de la vida campestre.

 

José Cabañas. «Jabaloyas Rulo»

 

José Cabañas. «Labores»

José Cabañas. «Villatere I»

 

 

 

 

 

 

 

 

En Francia con Delacroix, el gran pintor del Romanticismo, con sus pinceladas sueltas y la gran importancia del color.

José Cabañas. «Reflejos II»

 

Recorriendo las ruinas góticas en Inglaterra al lado de Girtin y Turner y pintando con éste paisajes poéticos y ligeramente melancólicos.

 

José Cabañas. «Calma chicha»

 

Pero también siente una atracción por el llamado romanticismo oscuro, que nos ofrece un mundo sombrío y misterioso.

 

 

José Cabañas. Sir Arthur Conan Doyle: «El perro de Baskerville»

José Cabañas. Edgar Allan Poe: «El Cuervo»

 

 

 

 

 

 

 

 

De esta manera, nos podemos imaginar a José Cabañas en pleno siglo XIX, pero no viajando por Europa, sino en un lugar mucho más cercano a nosotros: hospedado en el monasterio cisterciense de Veruela, junto a los hermanos Bécquer, atraídos por lo misterioso y paseando por las faldas del Moncayo.

Pintando junto a Valeriano, mientras Gustavo Adolfo escribe leyendas sobre el día de Todos los Santos y se inspira en ruinas de abadías y castillos, reflejadas a la luz de la luna.

 

José Cabañas. «Luz de Luna I»

 

 

Bibliografía:

Ideas clave de la asignatura: El arte en la edad moderna. Universidad Internacional de la Rioja

 

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Entrevista en un diario a Manuel Saz

“La luz que tenemos en Teruel es muy bonita y muy buena para hacer acuarela”

diariodeteruel.es

Vídeos de acuarela: recusros en YouTube

En YouTube podemos encontrar numerosos vídeos sobre la pintura en acuarela, pero hay un inconveniente y es la abundancia de información, por lo que es necesario realizar una selección mediante filtros en la propia página de Youtube o bien a través de la página http://ytinstant.com/

Tras una selección, obtenemos cuatro páginas que son una verdadera maravilla y que nos ilustran en directo sobre distintas técnicas de esta siempre difícil pintura:

1) Acuarela online: página muy completa (técnicas, artistas, blogs, enlaces, etc)

http://www.watercolor.es/videos

 

2) Eduardo Nicolai: explica sensacionalmente técnicas muy concretas.

https://www.youtube.com/watch?v=Sx-nHhkvgKA

 

3) Beginner Lesson: en cinco minutos no se puede enseñar más.

https://www.youtube.com/watch?v=zlPD0xtkfJ0

 

4) Lian Quan Zhen: espectacular, aparece en varias selecciones.

https://www.youtube.com/watch?v=ZfVnMTWIpW0

 

 

Manuel Saz

Manuel Saz, inagotable creador,  pintor de excelente técnica y dominio del siempre difícil arte de la acuarela, como podemos observar en sus fantásticos retratos y paisajes.

Manuel Saz. Jamaicano. 2005. Acuarela, 36 x 50 cm

Manuel Saz. Marian. 2009. Acuarela, 24 x 32,5 cm

Manuel Saz. Joaquín. 2012. Acuarela, 56 x 45 cm

Pero además, hay dos aspectos en los que sobresale este artista: su capacidad para crear una bella atmosfera en los paisajes y su incesante búsqueda del color.

Paisajes de los pequeños pueblos y caminos alrededor de su Teruel  natal. No son estampas bucólicas especialmente bonitas, son caminos y carreteras solitarias, edificios sin interés y rincones llenos de objetos; pero tienen una bella composición y en todos ellos ha sabido captar la atmósfera del lugar: el mercado de la plaza en una mañana calurosa de verano, el frío y la escarcha de un amanecer invernal o un paseo en un camino solitario; destacando el color y sobre todo la luz, esa luz vibrante, mediterránea y especial de su localidad.

No pinta una fotografía exacta de lo que los ojos ven, sino su impresión, lo que siente y aunque ese lugar no tenga un especial interés, lo convierte en algo más hermoso que la realidad, recordándonos una  famosa frase de Oscar Wilde: qué hermoso está hoy el Támesis, parece un Turner.

Manuel Saz. Camino de recuerdo I. 2002. Acuarela, 26,5 x 34,5 cm

Manuel Saz. Plaza del Torico. 2003. Acuarela, 38,5 x 54 cm (basada en fotografía Museo Provincial)

Manuel Saz. Rincón de la estación. 2006. Acuarela, 29 x 38,5 cm

Pero al igual que su admirado Turner buscaba algo más en su pintura, y en un viaje imaginario, irá también renunciando a la exactitud de las formas, para dar vida al color, ese color que capta la luz, da belleza y expresa las emociones; llegando incluso a recordarnos a El Bosco o el surrealismo, donde se desencadena la imaginación, no del autor, sino la del espectador que observa la obra.

Manuel Saz. Piero I. 2010. Acuarela, 32 x 45 cm

Manuel Saz. Babel. 2011. Acuarela, 46 x 64 cm

Manuel Saz. Atlántida. 2011. Acuarela, 46 x 64 cm

No sabemos donde nos conducirán las obras de este pintor, pero sí es seguro, que continuará el camino emprendido en su búsqueda particular para expresar sus sentimientos a través de la pintura. Esa pintura que tanto ama y que ha estudiado en profundidad de tantos grandes maestros, pero sobresaliendo sus admirados Turner y Hopper. Del primero toma las atmósferas y protagonismo del color y del segundo, sus originales composiciones y encuadres.

Seguramente seguirá pintando esos paisajes que nos emocionan y seguirá experimentando con el color. Así, una de sus últimas obras es un paisaje de la ciudad de Roma, pero lleno de originalidad, con un cielo de piedra, surgiendo la imaginación del artista y del espectador, donde el dibujo y las formas pierden el protagonismo para dárselo al color y la luz.

Manuel Saz. Roma. 2013. Acuarela, 35 x 25 cm

Pascual Berniz

Curiosa exposición del pintor aragonés Pascual Berniz en el Centro Cultural de Ibercaja en Teruel, donde la gran novedad y originalidad del artista ha sido el combinar la acuarela y el collage.

Partiendo de un fondo pintado en acuarela, técnica tan querida por él, ha ido formando un collage, pegando diversas tiras de potentes colores, en un trabajo laborioso y lleno de dificultad, al tener que armonizar toda la obra, tanto cada una de las distintas tiras de color pegadas entre si, como éstas con el fondo de acuarela, dando un resultado final armonioso, pero donde lo más llamativo es la explosión de color de sus obras. En cada una de ellas nos adentramos en un mundo completamente diferente al anterior, con sus distintas gamas cromáticas, universos mágicos que nos atraen e invitan a adentrarnos en ellos.

 

Como nos dice el propio artista:

En las 20 obras presentes en esta exposición hay un guión unificador: construídas tras un proceso de cortar tiras, colorearlas, enlazarlas, superponerlas y pegarlas en una superficie previamente tratada. Son círculos periféricos, pétalos extraños o tallos que trazan las huellas de su movimiento.

El paisaje es la temática, que cita a la luz en su cenit, al color en sus aventuras y al tiempo y sus espejismos. Al cortar el papel, fragmentos de color liberan, en plena efervescencias, formas ocultas en mi retina. Horizontes impresos en la memoria, lugares, tierras, aire y luz; espacios que se respiran y sienten, almacenados en el depósito de los sueños. La memoria los guarda y, sin saber como, uno se identifica con ellos cuando afloran en estas acuarelas-collages, cuyos ejes limitadores son silencio, olvido y libertad.

Turner en Venecia (2ª parte)

Turner fue al principio un paisajista con estilo romántico: pinta la naturaleza y la fragilidad del hombre ante ella. Pero buscaba algo más y gracias a sus viajes al sur de Europa liberará su fantasía, renunciando a la exactitud de las formas para dar vida al color y así poder expresar sus emociones.

Los cuadros sobre el mar y los efectos de la luz en el agua siempre habían sido importantes para Turner, si a esto añadimos la famosa luz y los encantos de Venecia, era inevitable que se sintiera cautivado por la ciudad; siendo sus imágenes uno de los aspectos más importantes de su trabajo y que marcaron su arte durante los últimos veinte años.

El color lo estudiará a fondo, es el que da vida y belleza y es el que capta la luz de un paisaje que cambia continuamente. Pintará creando una atmósfera o la impresión del lugar, es decir, una visión mental; donde destaca la luz mediterránea que tenía retenida en su memoria de sus viajes a Italia y que le dará un vuelco en su paleta, donde ya no cabe la suavidad precedente, sino que ahora sale su trazo colorista, atmosférico y vibrante, casi abstracto.

Desde sus inicios Turner observó directamente la naturaleza y llenó sus cuadernos con esbozos y apuntes rápidos que después transforma en su estudio, en una actividad privada y experimental, que en el caso de Venecia prácticamente sólo se descubrió al conocer su inmenso legado que se encuentra en la Tate Britain de Londres. Muy poco de este material fue expuesto en vida del pintor y la mayor parte se podría considerar inacabado según los criterios de aquel periodo, lo que nos permite saborear las reacciones privadas entre Turner y sus temas. Se ha llegado a decir que quizás sólo se debería juzgarle por los cuadros que no presentó en las exposiciones.

Por último, debemos añadir que Turner utilizó tanto acuarelas como óleos, pero éstos están en deuda por sus hallazgos en la acuarela, ya que intentó que tuvieran la misma claridad y luminosidad. Las brillantes acuarelas de Turner en Venecia pueden resumir al “último Turner”, ricas en color, evasivas de las formas, uniformes y atmosféricas. Aunque sean estudios, más que obras acabadas, son: gloriosos panoramas sobre grandes extensiones de agua, en cuya periferia tiemblan las torres de la ciudad.

Turner fue reconocido en su época, pero quizás no comprendido, en especial su último período. Ahora apreciamos la obra de Turner y la vemos de otra forma gracias a que conocemos la autonomía del color despues de, por ejemplo, Rothko. Pero habría que esperar un cuarto de siglo para que los impresionistas aprecien sus intuiciones y hallazgos: se estaba formando el arte contemporáneo y resulta realmente curioso ver una acuarela de Turner y compararla con un famoso óleo pintado por Monet, cuarenta años despues:

TURNER. The Sacarlet Sunset (1830-1840). Acuarela. Tate Collection, Londres.

MONET. Impression, soleil levant (1872-1873). Óleo. Museo Marmottan, París.

Bibliografía:

Varallo, Franca (2004). Turner: vida y obras maestras. Doménech, Asunción (2005). La magia del color. Milano. Biblioteca El mundo.

Wilton, Andréu (1995). Venise: aquarelles de Turner. Bibliothèque du image

Warrell, Ian (2005). Turner y Venecia. Exposición Fundación “La Caixa” y la Tate Britain.

 

Turner en Venecia

Joseph Mallord William Turner (1775 – 1851) es uno de los grandes artistas de la pintura, con una obra extensísima de pinturas, acuarelas y dibujos.

Nos vamos a centrar en sus pinturas de Venecia, una ciudad que le hechizó, realizando un millar de dibujos a lápiz, unas ciento cincuenta acuarelas y decenas de óleos; pero que prácticamente no se conocieron hasta después de su muerte, ya que en su estudio se encontraron diez cuadernos de dibujo y numerosas acuarelas que  no fueron expuestos en vida del pintor.

Turner solamente realizó tres breves viajes a Venecia (1819, 1833 y 1840), por lo que tuvo que documentarse con rápidos dibujos a lápiz y acuarelas sobre los efectos de luz y color sobre el agua; pero que precisamente por esa premura, podemos apreciar la maestría y la fuerza de sus acuarelas sobre Venecia: pincelada rápida y suelta, efectos de luz y color, leve insinuación, como si no estuvieran acabadas y una preciosa atmósfera nebulosa, tras la cual, apenas se vislumbran las formas.

Trabajó ampliamente con el óleo, pero es uno de los fundadores del paisajismo acuarelístico británico y si podemos destacar una cualidad de él es que no intentó reproducir lo que veía, sino que pintó lo que sentía, siendo un precursor del impresionismo.

Thomas Girtin

La acuarela comenzó a ser reconocida y respetada gracias a artistas como Thomas Girtin, que difundió y revalorizó esta técnica mediante un particular estilo romántico y que va a influir en  grandes artistas como Turner y Constable. Lamentablemente su obra fue breve , ya que nace en Londres en 1775 y muere muy joven, a la edad de 27 años.

En su juventud conoce a Turner, coincidiendo los dos en la casa del doctor  Thomas Munro, médico de Jorge III, gran coleccionista y protector de artistas. Ambos son de la misma edad, tienen el mismo oficio y provienen de orígenes humildes; iniciándose una amistad que continuó al viajar juntos por el país, buscando temas para ilustrar libros de viajes y coloreando con aguadas dibujos de paisajes, aldeas, mansiones o abadías. Los dos se van formando en el dibujo preciso y en la acuarela, el considerado entonces “arte inglés” por excelencia que había empezado a despegar a finales del siglo XVIII.

Posteriormente, Girtin desarrollará un estilo romántico de gran influencia en la pintura inglesa posterior. Sus obras de  madurez son más innovadoras e intensas, con colores fuertes y una sensibilidad especial para captar los ambientes del paisaje inglés.

Si podemos destacar una obra de Girtin es la casa blanca de Chelsea (Tate Gallery; Londres) pintada en 1800, cuando Girtin tenía 25 años. Se trata de una vista del Támesis, donde resalta, dentro de un profundo paisaje de horizonte bajo, una casita blanca y su reflejo en el agua, que es hacia donde se dirige la mirada del espectador. Turner admiró durante toda su vida a su antiguo compañero y la casa blanca de Chelsea fue su acuarela preferida. Cuenta la historia que Turner recordaba a su amigo y que afirmaba: si Tom Girtin estuviese vivo, yo me moriría de hambre; y también existe una anécdota sobre un comerciante que se encontró con el ya célebre Turner y le dijo: maestro, tengo una obra mejor que cualquiera de las suyas. A lo que Turner replicó: entonces es que ha conseguido “la casa blanca de Girtin”.

Pintar una poesía en directo

Veremos como el artista Pascual Berniz se inspira en una poesía, para a continuación trasladar los sentimientos que le produce al papel, sin más herramientas que la paleta, el pincel y el agua:

Con motivo de la inauguración de la Exposición de la Asociación de Acuarelistas de Teruel en el Centro Social de la ciudad, el pintor Pascual Berniz pintó una acuarela en directo basada en el poema Tiempo Perdido de Joan Vinyoli.

Recientemente la Universidad de Navarra ha acogido la exposición “Agua de color” con acuarelas del pintor y escultor Pascual Berniz. Según Juan Cañada, comisario de la exposición: es uno los artistas aragoneses más destacados de la actualidad. Su formación artística y cultural ha favorecido un perfeccionamiento técnico y temático, con una ejecución llena de sentimiento. Su paleta de colores es alegre, viva, llena de entusiasmo, es un artista con una gran proyección, en el que fluye la alegría y el optimismo.

El día de la inauguración pintó otra acuarela en directo, pero a continuación veremos como realizó en directo la acuarela de Tiempo Perdido:

 

Bienvenida

Bienvenidos al mundo fascinante de la acuarela, considerado el hermano pobre de la pintura, aunque siempre ha formado parte de ésta.

Como dice el pintor Pascual Berniz: la acuarela es cercana y enigmática, que no permite demoras entre la idea y la acción y que siempre se alía con la fuidez del agua y la rápida impronta sin corrección posible. En ella y por ella se siente libertad. Otra cosa es la  actitud previa a su realización: entonces si que inquirimos por todo, a todo buscamos respuesta, contemplamos el mundo, nos habita la razón. Pero cuando la razón se convierte en lenguaje, agua, papel y color, la acción “sin tiempo” que es la acuarela, brota tras una imagen que nunca sabremos si es la preconcebida. He ahí su belleza.

Entraremos en un mundo donde su gran revolución se produjo en el siglo XVIII, con el Romanticismo y que en el siglo siguiente se convertirá en un género con identidad propia y una técnica en la que van a participar grandes artistas: Alberto Durero, Turner, Thomas Girtin, John Constable, Homer o Edgard Hooper.

Por último, una curiosidad: el primer cuadro abstracto en la historia del arte fue pintado a la acuarela, en el año 1.910, por Wassily Kandinsky.